La naturaleza de la obra musical. Características de las habilidades musicales ¿Cuál es la propiedad más importante de un musical?
El mundo ilimitado de la vida, los sentimientos humanos, los sueños y los ideales es el contenido de la música revelado con la ayuda de la forma musical. A veces, una persona aparece en la música como el personaje principal, un personaje, como, por ejemplo, el audaz pionero Petya o su abuelo gruñón en cuento sinfónico S. S. Prokofiev "Pedro y el lobo". Pero la mayoría de las veces, se queda detrás de escena. "Pensé que mi corazón se había olvidado": así comienza uno de los poemas de A. S. Pushkin. ¿Quién es este "yo"? ¿Nos esforzamos por visualizar la apariencia de un héroe lírico? No, la forma de percepción aquí es diferente: el héroe mira el mundo junto con nosotros. No lo vemos, pero sentimos claramente su presencia. Y si un poema nos conmovió profundamente, esto significa que el "yo artístico" del poema se ha fusionado con nuestro propio "yo". La música también puede lograr una fusión tan completa. “Mi país natal es ancho”, canta el hombre y experimenta los mismos sentimientos que el héroe de la canción. El "yo artístico" indispensable para todas las artes toma muchas formas. Puede hablar sobre el héroe de una obra en particular, por ejemplo, un pequeño preludio, pero también sobre los héroes de estilos individuales, nacionales e históricos.
¿Cuáles son los lados de una persona en la música, tanto el personaje representado como el "yo artístico"? Para el personaje, los signos externos de su apariencia son muy importantes. La música, por supuesto, no puede representar el color del cabello o la forma de la nariz. Pero las peculiaridades de los gestos, la forma de andar y la forma de hablar que ella encarna involuntariamente hacen que uno piense en la apariencia del personaje. Es difícil no imaginar el murmullo de Vashek, podrido, escuchando su aria "¡Ah, qué es!" de la ópera de B. Smetana "La novia vendida", o el astuto y pegajoso Bomelius de la ópera de N. A. Rimsky-Korsakov " novia real". La música instrumental también está llena de personajes: galantes, ágiles, bulliciosos, excéntricos, majestuosos, nobles y vulgares.
Distinguimos fácilmente en la música los tipos de música femenina y personajes masculinos. Baste recordar, por ejemplo, a la delgada, frágil y tierna Doncella de las Nieves y a la ardiente y apasionada Kupava de la ópera de Rimsky-Korsakov La Doncella de las Nieves.
Las posibilidades de la música a la hora de reproducir los estados mentales y emocionales de una persona son grandes. Casi físicamente sentimos el flujo pesado y vago de pensamientos extrañamente confusos en la escena del delirio del príncipe Andrei de la ópera Guerra y paz de Prokofiev.
En los personajes y héroes, como en las personas vivas, la edad, el temperamento, la vitalidad, los estados emocionales están estrechamente entrelazados con los rasgos sociales, históricos, culturales y nacionales. El hombre se regocijó, se desesperó, experimentó la ira en todo momento, en todos los países. Los reyes se rieron, los campesinos se rieron, los artesanos se rieron. Pero no encontraremos dos sentimientos igualmente expresados. ¿Cuántos tipos de alegría hay en la música, por ejemplo? Tantos como héroes hay en ella. Chispeante tarantela italiana y atrevida danza rusa, lánguidamente dulce tango argentino y la orgullosa polonesa, la alegría ingenua de la melodía de un pastor y la danza de la corte exquisitamente cursi, el éxtasis tembloroso del héroe de las obras de A. N. Scriabin y el casto sentimiento de felicidad que llena las melodías de S. V. Rachmaninov, detrás de todas estas manifestaciones de alegría que sentimos una persona específica.
Diferente contenido de vida también causa varios sentimientos. La alegría estúpida y malvada del desafortunado héroe Farlaf de la ópera "Ruslan y Lyudmila" de M. I. Glinka, que mató a traición a un oponente, y la brillante alegría de Lyudmila son sentimientos fundamentalmente diferentes.
¿Cómo encarna la música las circunstancias de la vida? Ella usa ampliamente técnicas visuales. A menudo oímos en él el murmullo de los arroyos, el sonido de las olas, los repiques de los truenos, el aullido de una tormenta o el susurro apenas audible de las hojas, las voces de los pájaros. Pero incluso estas imágenes de sonido más simples resultan ser manifestaciones del mundo interior de una persona. "Amanecer en el río Moscú" de M. P. Mussorgsky, "Mañana" de E. Grieg son, por supuesto, no solo imágenes del despertar de la naturaleza, floreciendo en sonidos y colores, sino también una renovación del alma humana.
La música también puede recrear circunstancias de vida más complejas. Es imposible, en el sentido literal de la palabra, retratar un fenómeno sociopolítico como el fascismo. Pero puedes crear una imagen generalizada de él, como hizo D. D. Shostakovich con ira e indignación en su séptima sinfonía. Motivos de danza descarada, casi de opereta, se superponen a un ritmo mecánico de marcha. Como resultado, se forma una imagen de monstruosa falta de espiritualidad, desvergonzadamente satisfecho de sí mismo, arrogante admiración por el poder. Esta fuerza terrible avanza, aplastando todo lo que está debajo de ella, oscureciendo todo el horizonte, hasta que es detenida por el poder espiritual y humano. Junto con bocetos estáticos circunstancias de la vida nos encontramos en obras musicales y con Diferentes situaciones, eventos.
Una melodía se construye a partir de la sucesión de entonaciones. Los movimientos y contramovimientos de las líneas de entonación impregnan la textura: la totalidad de todas las voces y elementos de la polifonía. La dramaturgia musical, la trama, la trama aparecen en forma grande. Estos nombres, tomados del teatro y la literatura, no son casuales. Están conectados con el hecho de que la música buscaba diferentes formas de construir su propia mundo artistico a partir de la experiencia de otras artes. Las primeras partes de las sonatas y sinfonías de J. Haydn y W. A. Mozart están construidas, por así decirlo, según las leyes del teatro: en temas brillantes se adivinan personajes, escuchamos sus voces, la música está llena de diálogos y disputas. En forma de sonata romántica, pasa a primer plano héroe lírico: la alternancia de varios temas se percibe como su conflicto espiritual. Los compositores románticos también inventaron una forma completamente nueva de organizar el contenido para su época: en su baladas instrumentales ellos, siguiendo el modelo del romancero literario y vocal, introdujeron la figura del “narrador”, que narra con interés y pasión hechos insólitos, significativos y perturbadores.
En la música moderna se han encontrado nuevos métodos de construcción de contenidos. Las técnicas literarias y cinematográficas de "monólogo interno" se utilizan a menudo, por ejemplo, en las sinfonías de G. A. Kancheli, en las obras de A. G. Schnittke.
La forma musical cumple también otra, extremadamente papel importante: ella dirige la percepción, lo ayuda. En la melodía de los cantos de misa, cada frase nueva a menudo comienza con el mismo sonido en el que terminó el anterior. Tal conexión en cadena contribuye a la memorabilidad de la melodía.
Organización del modo, armonía, ritmo, formas compositivas con miles de hilos cose el tejido sonoro pieza musical, creando esa forma perfecta que encarna pensamientos figurativos audaces y profundos sobre la paz, la felicidad y la belleza, pensamientos que son cercanos y comprensibles para millones de personas en todo el mundo.
contenido en musica- la imagen espiritual interior de la obra; lo que expresa la música. Todo contenido artístico tiene tres caras: Asunto(fábula) emocional y ideológico(“Libro de estética para músicos”, M.-Sofia, 1983, p. 137). Los conceptos centrales del contenido musical - ocurrencia(pensamiento musical sensualmente encarnado) y imagen musical(apertura directa sentimiento musical carácter holístico, así como musicales capturar sentimientos y Estados mentales
). El lado más importante y específico del contenido musical es belleza hermosa, fuera del kotoporo no hay arte (ibid., p. 39). El predominio de la alta estética, artística sentimientos de belleza y armonía(a través del prisma del cual también se refractan los sentimientos y las emociones más bajos y cotidianos) permite que la música realice lo más importante Función social elevación de la personalidad humana.
forma en la musica- sonar implementación de contenido utilizando un sistema de elementos y sus relaciones. El germen de esta Forma dinámica musical y móvil su impulso - complejo de entonación, que refleja más directamente la esencia del contenido ideológico y figurativo y representa la realización del núcleo de las musas. pensamientos por medio del ritmo, el modo y la textura. pensamiento musical(idea, imagen) se materializa en organización métrica, estructura motriz de la melodía, acorde, contrapunto, timbres, etc..; se realiza plenamente en una forma musical holística, en desarrollo lógico a través de un sistema de repeticiones, contrastes, reflejos, en el agregado de varias funciones semánticas de las partes de la Forma Musical. La técnica de composición (forma musical) sirve para completar la expresión de las musas. pensamientos, la creación de un todo artístico estéticamente completo, el logro de la belleza (por ejemplo, en armonía, las reglas técnicas determinan la "belleza armónica", según P. I. Tchaikovsky).
La forma musical y el contenido son los mismos.. Cualquier matiz de sentimientos artísticos, incluidos los más sutiles, se expresa ciertamente por algún medio de la Forma Musical, cualquier detalle técnico sirve para expresar el contenido (incluso si no es susceptible de formulación verbal). La no conceptualidad de la música. imagen artistica, que no permite reproducirlo adecuadamente en el lenguaje del habla verbal, puede ser captado con un grado suficiente de certeza por el aparato artístico y técnico específico del análisis teórico-musical, que prueba la unidad del contenido y la forma del musical. . Principal, creando factor en esta unidad es siempre contenido basado en la entonación. Además, la función de la creatividad no es solo reflexiva, pasiva, sino también "demiúrgica", que implica la creación de nuevos valores artísticos, estéticos y espirituales (que no existen en el objeto reflejado como tal). La forma musical es la expresión de las musas. pensamientos en el marco de la estructura entonativa histórica y socialmente determinada y el material sonoro correspondiente. Musas. el material esta organizado en forma musical sobre la base de una distinción fundamental repetición y no repetición; todas las formas específicas de música - Varios tipos repeticiones
Incluso después de que la música fuera aislada de la trinidad "musical" original de la palabra - canto - movimiento corporal (corea griega), La forma musical conserva una conexión orgánica con el verso, el paso, la danza.(“Al principio había ritmo”, según X. Bülow).
Autónomo Municipal Institución educativa gimnasio №26 de la ciudad de Tomsk
Pruebas de control en música para yo cuarta parte
(según el programa Naumenko T.I., Aleeva V.V.)
Séptimo grado
Compilado por: Zhukov Lyubov Ivánovna,
profesor de música,
G.Tomsk
2016
Control final nº1 en música (preguntas)
Séptimo grado
PERO) verdadero entendimiento naturaleza Ni un yeso, ni un rostro sin alma.
2. Que el artista tenga verdadero trabajo arte, necesitas:
a) nada
c) ver y comprender
3. ¿Qué compositor fue golpeado por una melodía (en el oratorio "Creación del mundo") que expresa el nacimiento de la luz, y exclamó: "¡Esto no es de mí, esto es de arriba!"
A) I. Brahms
B) M. Glinka
C) I. Haydn
4. Naturaleza en tercero
A) vivo, furioso
B) tranquilo, pacífico
B) furioso y pacífico
A) unidad de contenido
C) unidad de forma
A) no software
B) software
A) uno B) dos C) tres
a) detalles
B) generalización
c) ambas respuestas son correctas
A) todas las penas del mundo
b) todas las alegrías del mundo
C) la tristeza y la alegría del héroe
A) el mar y el barco de Simbad
C) Príncipe Guidón
Control final No. 1 en música (respuestas)
Séptimo grado
1. ¿Qué nos enseña F. Tyutchev en mayor medida en su poema?
No es lo que piensas, naturaleza,
A) una verdadera comprensión de la naturaleza Ni un yeso, ni un rostro sin alma.
B) imaginación Tiene alma, tiene libertad,
C) el uso de los dones de la naturaleza Hay amor en ella, fuera hay un lenguaje.
2. Para que el artista tenga una obra de arte genuina, necesita:
a) nada
B) ver, comprender y encarnar
c) ver y comprender
3. El compositor que fue eclipsado por una melodía (en el oratorio "Creación del mundo"), expresando el nacimiento de la luz, y exclamó: "¡Esto no es mío, esto es de arriba!"
A) I. Brahms
B) M. Glinka
C) I. Haydn
4. Naturaleza en tercero parte del concierto "Verano" (del ciclo "Las Estaciones") A. Vivaldi aparece:
A) vivo, furioso
B) tranquilo, pacífico
B) furioso y pacífico
5. Qué idea une un poema de F. Tyutchev, una pintura de I. Repin e I. Aivazovsky (página 4 del libro de texto), música de A. Vivaldi:
A) unidad de contenido
B) unidad de contenido y forma
C) unidad de forma
6. Qué tipo de música es difícil de explicar con palabras:
A) no software
B) software
C) tener nombre (“Bosque”, “Scheherazade”, “Noche en Madrid” y otros)
7. ¿Cuántos estados de ánimo hay en la obra de teatro de P. Tchaikovsky “Noviembre. en los tres"
UnaB) dos a las tres
8. Etude No. 12 de A. Scriabin - prueba de que la expresividad del contenido de una obra musical no siempre depende de:
A) del programa literario
B) de los medios de expresión musical
C) de la experiencia personal del compositor
9. La base de la creatividad en el arte es (elija la impar):
a) expresión de sentimientos y pensamientos extraños
B) expresión de sentimientos y pensamientos experimentados por el autor
EN) experiencia personal derrotas y victorias
10. ¿Qué es la propiedad más importante contenido musical:
a) detalles
B) generalización
c) ambas respuestas son correctas
11. ¿Qué sentimientos generaliza la música? Sonata de luz de Luna» L. Beethoven:
A) todas las penas del mundo
b) todas las alegrías del mundo
C) la tristeza y la alegría del héroe
12. N. Rimsky-Korsakov en suite sinfónica Scheherazade usa los nombres de partes individuales como un programa (elija el impar):
A) el mar y el barco de Simbad
B) la historia de Calender - príncipe
C) Príncipe Guidón
El desarrollo de las habilidades musicales es una de las principales tareas de la educación musical de los niños. La cuestión fundamental para la pedagogía es la cuestión de la naturaleza de las habilidades musicales: si son propiedades innatas de una persona o si se desarrollan como resultado de la exposición a medioambiente, Educación y entrenamiento. Otro aspecto teórico importante del problema, del que depende esencialmente la práctica de la educación musical, es la definición del contenido de los conceptos habilidad musical, musicalidad, talento musical. La dirección de las influencias pedagógicas, el diagnóstico de las habilidades musicales, etc., dependen en gran medida de lo que se utilice como base para el contenido de estos conceptos.
En diferentes etapas históricas de la formación de la psicología y la pedagogía musical (extranjera y nacional), así como en la actualidad, existen diferentes enfoques para el desarrollo de los aspectos teóricos y, en consecuencia, prácticos del problema del desarrollo de habilidades musicales. Hay discrepancias en la definición de los conceptos más importantes.
B. M. Teplov en sus obras dio un análisis profundo y completo del problema del desarrollo de las habilidades musicales. Comparó los puntos de vista de psicólogos que representaban las más diversas corrientes de la psicología y expuso su punto de vista sobre el problema.
B. M. Teplov definió claramente su posición sobre el tema de las habilidades musicales innatas. Basado en el trabajo del destacado fisiólogo I.P. Pavlov, reconoció las propiedades del sistema nervioso humano como innatas, pero no las consideró solo como hereditarias (después de todo, pueden formarse durante el período de desarrollo intrauterino de un niño y durante varios años después del nacimiento). Propiedades innatas del sistema nervioso B.M. Teplov se separa de las propiedades mentales de una persona. Destaca que sólo pueden ser innatos los rasgos anatómicos y fisiológicos, es decir, las inclinaciones que subyacen al desarrollo de las capacidades.
Habilidades B. M. Teplov define como características psicológicas individuales de una persona relacionadas con el éxito de una actividad o muchas. No se limitan a la presencia de destrezas, habilidades o conocimientos, sino que pueden explicar la legitimidad y rapidez de su adquisición.
Las habilidades musicales necesarias para la implementación exitosa de actividades musicales se combinan en el concepto de "musicalidad".
Musicalidad, como B.M. Teplov, este es un complejo de habilidades requeridas para la práctica de la actividad musical, a diferencia de cualquier otro, pero al mismo tiempo asociado con cualquier tipo de actividad musical.
Además de la musicalidad, que incluye un complejo de habilidades especiales, a saber, musicales, de B.M. Teplov indica que una persona tiene habilidades más generales que se manifiestan en la actividad musical (pero no solo en ella). Este es imaginación creativa, atención, inspiración, voluntad creativa, sentido de la naturaleza, etc. Una combinación cualitativa de habilidades generales y especiales forma un más amplio que la musicalidad. el concepto de talento musical.
B. M. Teplov enfatiza que cada persona tiene una combinación peculiar de habilidades, generales y especiales. Las características de la psique humana sugieren la posibilidad de una amplia compensación de algunas propiedades por otras. Por lo tanto, la musicalidad no se reduce a una habilidad: "Cada habilidad cambia, adquiere un carácter cualitativamente diferente, según la presencia y el grado de desarrollo de otras habilidades".
Cada persona tiene una combinación original de habilidades que determina el éxito de una actividad en particular.
“El problema de la musicalidad”, enfatiza B.M. Teplov, es un problema, ante todo, cualitativo, no cuantitativo. Toda persona normal tiene algo de musicalidad. Lo principal que debería interesar al maestro no es la cuestión de cuán musical es este o aquel alumno, sino la cuestión de cuál es su musicalidad y cuáles, por lo tanto, deberían ser las formas de su desarrollo.
Así, B. M. Teplov reconoce ciertas características, predisposiciones de una persona, inclinaciones como innatas. Las habilidades en sí son siempre el resultado del desarrollo. La habilidad por su misma esencia es un concepto dinámico. Sólo existe en movimiento, sólo en desarrollo. Las habilidades dependen de inclinaciones innatas, pero se desarrollan en el proceso de educación y formación.
Una conclusión importante hecha por B.M. Térmica, es el reconocimiento del dinamismo, habilidades desarrolladas. "Ese no es el punto- escribe el científico, - que las habilidades se manifiestan en la actividad, pero que se crean en esta actividad.
Por lo tanto, al diagnosticar habilidades, cualquier prueba, las pruebas que no dependan de la práctica, el entrenamiento y el desarrollo no tienen sentido.
Entonces, B. M. Teplov define la musicalidad como un complejo de habilidades desarrolladas sobre la base de inclinaciones innatas en la actividad musical, necesarias para su implementación exitosa.
Para resaltar el complejo de habilidades que componen la musicalidad , es importante determinar los detalles del contenido de la música (y, por lo tanto, las cualidades necesarias para su percepción), así como las características de la diferencia entre los sonidos musicales de otros sonidos encontrados en la vida (y, por lo tanto, las cualidades necesarias distinguirlos y reproducirlos).
Respondiendo a la primera pregunta (sobre los detalles del contenido de la música), B.M. Teplye discute con el representante de la estética alemana E. Hanslik, quien defiende la visión del arte musical como un arte que no puede expresar ningún contenido. Los sonidos musicales, según Hanslick, sólo pueden satisfacer las necesidades estéticas del hombre.
B. M. Teplov contrasta esto con el punto de vista de la música como un arte que tiene varias posibilidades para reflejar el contenido de la vida, transmitir los fenómenos de la vida, el mundo interior de una persona.
Destacando dos funciones de la música: visual y expresiva, B.M. Teplov señala que la música visual programática, que tiene prototipos específicos y "visibles" (onomatopeyas, fenómenos naturales, representaciones espaciales: aproximación, eliminación, etc.), cierto nombre o un texto literario, trama, que transmite fenómenos de vida específicos, mientras expresa siempre un cierto contenido emocional, estado emocional.
Se enfatiza que tanto la música programática visual (cuya participación en el arte musical es insignificante) como la música no gráfica y no programática siempre tienen un contenido emocional: sentimientos, emociones, estados de ánimo. La especificidad del contenido musical no está determinada por las posibilidades visuales de la música, sino por la presencia de coloración emocional de las imágenes musicales (tanto programáticas visuales como no programáticas). Así, la función principal de la música es expresiva. Oportunidades arte musical transmitir los matices más sutiles de los sentimientos humanos, su cambio, transiciones mutuas y determinar los detalles del contenido musical. B. M. Teplov enfatiza que en la música experimentamos el mundo a través de la emoción. La música es conocimiento emocional. Por tanto, la principal característica de la musicalidad de B.M. Teplov llama a la experiencia de la música, en la que se comprende su contenido. Dado que la experiencia musical es por su propia naturaleza una experiencia emocional, y es imposible comprender el contenido de la música de otra manera que no sea por medios emocionales, el centro de la musicalidad es la capacidad de una persona para responder emocionalmente a la música.
¿Qué oportunidades tiene el arte de la música para transmitir un determinado contenido emocional?
La música es el movimiento de sonidos, diferentes en altura, timbre, dinámica, duración, organizados de cierta manera en modos musicales (mayor, menor), que tienen un cierto colorido emocional, posibilidades expresivas. En cada modo, los sonidos se correlacionan entre sí, interactuando entre sí (algunos se perciben como más estables, otros menos). Para percibir el contenido musical con mayor profundidad, una persona debe tener la capacidad de diferenciar de oído los sonidos en movimiento, distinguir y percibir la expresividad del ritmo. Por lo tanto, el concepto de "musicalidad" incluye un oído para la música, así como un sentido del ritmo, que están indisolublemente ligados a las emociones.
Los sonidos musicales tienen diferentes propiedades: tienen tono, timbre, dinámica y duración. Su discriminación en sonidos individuales forma la base de las habilidades musicales sensoriales más simples. La última de las propiedades enumeradas de los sonidos (duración) es la base del ritmo musical. El sentimiento de expresividad emocional del ritmo musical y su reproducción forman una de las habilidades musicales de una persona: un sentimiento musical-rítmico. Las primeras tres propiedades nombradas de los sonidos musicales (tono, timbre y dinámica) forman la base del tono, el timbre y la audición dinámica, respectivamente.
En un sentido amplio, el oído musical incluye el tono, el timbre y el oído dinámico.
Todas las propiedades enumeradas (altura, timbre, dinámica y duración) son inherentes no solo a los sonidos musicales, sino también a otros: sonidos del habla, ruidos, voces de animales y pájaros. ¿Cuál es la singularidad de los sonidos musicales? A diferencia de todos los demás sonidos y ruidos, los sonidos musicales tienen un tono y una duración definidos y fijos. Por tanto, los principales portadores de significado en la música de B.M. Teplov nombra tono y movimiento rítmico.
Oído musical en el sentido estricto de la palabra B.M. Teplov lo define como oído de tono. Dando fundamentos teóricos y experimentales, demuestra que el tono juega un papel principal en la sensación del sonido musical. Comparando la percepción de la altura en los sonidos del ruido, el habla y la música, B.M. Teplov llega a la conclusión de que en los ruidos y sonidos del habla, la altura se percibe de manera total e indivisa. Los componentes del timbre no están separados de los propios tonos.
La sensación de altura se fusiona inicialmente con el timbre. Su división se forma en el proceso de la actividad musical, ya que sólo en la música el movimiento tonal se vuelve esencial para la percepción. Así se crea un sentimiento tono musical como las alturas de los sonidos que forman un determinado movimiento musical, manteniéndose entre sí en una u otra proporción tonal. Como resultado, se concluye que el oído musical, en esencia, debe ser un oído tonal, de lo contrario no será musical. No puede haber musicalidad sin escuchar el tono musical.
Comprensión oído musical(en sentido estricto) como tono de sonido no reduce el papel del timbre y la audición dinámica. El timbre y la dinámica te permiten percibir y reproducir la música en toda la riqueza de sus colores y matices. Estas propiedades de la audición son especialmente importantes para un músico intérprete. Dado que el tono de los sonidos está fijado en notas, y solo hay instrucciones generales del autor con respecto al timbre y la dinámica, es la elección de diferentes colores de sonidos (timbre y dinámica) lo que determina en gran medida las posibilidades de la libertad creativa del intérprete, la originalidad de la interpretación. Sin embargo, B. M. Teplov aconseja cultivar la audición del timbre solo cuando las bases de la audición del tono estén disponibles: tono, audición.
Así, el oído musical es un concepto de múltiples componentes. Hay dos variedades de audición tonal: melódica y armónica. El oído melódico es oído tonal en su manifestación a una melodía monofónica; oído armónico - oído tonal en su manifestación en relación con las consonancias y, en consecuencia, con la música polifónica. La audición armónica puede retrasarse significativamente en el desarrollo de la audición melódica. En los niños en edad preescolar, la audición armónica suele estar subdesarrollada. Hay evidencia observacional de que la edad preescolar muchos niños son indiferentes al acompañamiento armónico de una melodía: no pueden distinguir un acompañamiento falso de uno no falso. La audición armónica implica la capacidad de sentir y distinguir la consonancia (armonía), que, aparentemente, se desarrolla en una persona como resultado de alguna experiencia musical. Además, para la manifestación de la audición armónica, es necesario escuchar varios sonidos al mismo tiempo, de diferente altura, para distinguir de oído el sonido simultáneo de varias líneas melódicas. Se adquiere como resultado de la actividad que no se puede realizar sin ella, cuando se trabaja con música polifónica.
Además de la audición melódica y armónica, también hay concepto de tono absoluto. Esta es la capacidad de una persona para distinguir y nombrar sonidos sin tener un patrón real de comparación, es decir, sin recurrir a la comparación con el sonido de un diapasón o un instrumento musical. tono perfecto es muy calidad útil, pero incluso sin él, son posibles lecciones de música exitosas, por lo que no está incluido en el número de habilidades musicales básicas que componen la estructura de la musicalidad.
Como ya se ha señalado, el oído musical está íntimamente relacionado con las emociones. Esta conexión es especialmente pronunciada al percibir música, distinguiendo coloraciones emocionales, modales, estados de ánimo, sentimientos expresados en ella. Al tocar melodías, opera una calidad de audición diferente: se hace necesario tener ideas sobre la ubicación de los sonidos en altura, es decir, tener representaciones musicales y auditivas del movimiento del sonido en altura.
Estos dos componentes de la audición tonal -emocional y auditivo propiamente dicho- son distinguidos por B.M. Teplov como dos habilidades musicales, a las que llamó sensación modal y representaciones musical-auditivas. Ladovoye representaciones emocionales, musicales y auditivas y sentido del ritmo conforman las tres habilidades musicales básicas que forman el núcleo de la musicalidad.
Considere la estructura de la musicalidad con más detalle.
Sensación de pereza. Los sonidos musicales están organizados de cierta manera. Los modos mayor y menor difieren en el colorido emocional. A veces, mayor se asocia con una gama de estados de ánimo emocionalmente positivos, un estado de ánimo alegre, alegre, y menor, con tristeza. En algunos casos es así, pero no siempre.
¿Cómo se distingue la coloración modal de la música?
Un sentimiento modal es una experiencia emocional, una habilidad emocional. Además, el sentimiento modal revela la unidad de los aspectos emocional y auditivo de la musicalidad. Tiene su propio color no solo como un modo completo, sino también sonidos individuales del modo (que tiene una cierta altura). De los siete pasos del modo, algunos suenan estables, otros, inestables. Los pasos principales del modo (primero, tercero, quinto) suenan estables, y especialmente la tónica ( primera etapa). Estos sonidos forman la base del modo, su soporte. El resto de los sonidos son inestables, en la melodía suelen ser estables. Un sentimiento modal es una distinción no solo de la naturaleza general de la música, los estados de ánimo expresados en ella, sino también de ciertas relaciones entre los sonidos: estable, completo (cuando la melodía termina en ellos) y que requiere finalización.
El sentimiento de armonía se manifiesta cuando percepción la música como experiencia emocional, "percepción sentida". B. M. Teplov lo llama componente perceptivo y emocional del oído musical. Se puede detectar al reconocer una melodía, determinar si una melodía ha terminado o no, en la sensibilidad a la precisión de la entonación, la coloración modal de los sonidos.En la edad preescolar, un indicador del desarrollo del sentimiento modal es el amor y el interés por la música. Dado que la música por su propia naturaleza es una expresión de contenido emocional, el oído para la música obviamente debe ser un oído emocional. El sentimiento modal es uno de los cimientos de la respuesta emocional a la música (el centro de la musicalidad). Dado que el sentimiento modal se manifiesta en la percepción del movimiento del tono, traza la relación de la respuesta emocional a la música con un sentido del tono musical.
Actuaciones musicales y auditivas.. Para reproducir una melodía con voz o en un instrumento musical, es necesario tener ideas auditivas de cómo se mueven los sonidos de la melodía: arriba, abajo, suavemente, saltos, si se repiten, es decir, tener ideas musicales y auditivas. del movimiento tonal (y rítmico). Para tocar una melodía de oído, debes recordarla. Por tanto, las representaciones musical-auditivas incluyen la memoria y la imaginación. Así como la memorización puede ser involuntaria y arbitraria, las representaciones musicales y auditivas difieren en el grado de su arbitrariedad. Las representaciones musicales y auditivas arbitrarias están asociadas con el desarrollo de la audición interna. La audición interna no es solo la capacidad de imaginar mentalmente sonidos musicales, sino operar arbitrariamente con representaciones auditivas musicales.
Las observaciones experimentales prueban que para la presentación arbitraria de una melodía, muchas personas recurren al canto interno, y los aprendices de piano acompañan la presentación de la melodía con movimientos de los dedos (reales o apenas grabados) que imitan su reproducción en el teclado. Esto prueba la conexión entre las representaciones musicales y auditivas y las habilidades motoras. Esta conexión es especialmente estrecha cuando una persona necesita memorizar arbitrariamente una melodía y mantenerla en la memoria. "Memorización activa de representaciones auditivas, - señala B. M. Teplov, - hace especialmente significativa la participación de los momentos motores. uno .
La conclusión pedagógica que se deriva de estas observaciones es la capacidad de involucrar habilidades motoras vocales (cantar) o tocar en instrumentos musicales desarrollar la capacidad de representaciones musicales y auditivas.
Así, las representaciones musicales y auditivas son una habilidad que se manifiesta en reproducción al escuchar melodías. Se llama auditivo, o reproductor, componente del oído musical.
sentido del ritmo es la percepción y reproducción de las relaciones temporales en la música. Los acentos juegan un papel importante en la división del movimiento musical y la percepción de la expresividad del ritmo.
Como atestiguan las observaciones y numerosos experimentos, durante la percepción de la música, una persona realiza movimientos perceptibles o imperceptibles correspondientes a su ritmo, acentos. Estos son movimientos de la cabeza, brazos, piernas, así como movimientos invisibles del habla y del aparato respiratorio. A menudo surgen inconscientemente, involuntariamente. Los intentos de una persona por detener estos movimientos conducen al hecho de que surgen en una capacidad diferente o la experiencia del ritmo se detiene por completo. Ego habla de la presencia de una conexión profunda entre las reacciones motrices y la percepción del ritmo, de la naturaleza motriz del ritmo musical.
La experiencia del ritmo, y por tanto la percepción de la música, es un proceso activo. El oyente experimenta el ritmo sólo cuando reproduce, crea... Cualquier percepción completa de la música es un proceso activo que implica no solo escuchar, sino también haciendo. y haciendo incluye una amplia variedad de movimientos. Como resultado, la percepción de la música nunca es solo un proceso auditivo; es siempre un proceso auditivo-motor.”
El sentimiento del ritmo musical no sólo tiene un carácter motor, sino también emocional. El contenido de la música es emocional.
El ritmo es uno de Medios de expresión música a través de la cual se transmite el contenido. Por lo tanto, el sentido del ritmo, como el sentido modal, forma la base de la respuesta emocional a la música. La naturaleza activa, activa del ritmo musical permite transmitir en movimientos (que, como la música misma, son temporales) los cambios más pequeños en el estado de ánimo de la música y, por lo tanto, comprender la expresividad del lenguaje musical. Características el habla musical (acentos, pausas, movimientos suaves o espasmódicos, etc.) puede transmitirse mediante movimientos correspondientes al color emocional (aplausos, pisotones, movimientos suaves o espasmódicos de manos, pies, etc.). Esto le permite usarlos para desarrollar una respuesta emocional a la música.
Por lo tanto, el sentido del ritmo es la capacidad de experimentar activamente (motorly) la música, sentir la expresividad emocional del ritmo musical y reproducirlo con precisión. memoria musical BM no enciende Térmica entre las principales habilidades musicales, ya que "inmediato la memorización, el reconocimiento y la reproducción del tono y los movimientos rítmicos son manifestaciones directas del oído musical y del sentido del ritmo.
Entonces, B. M. Teplov distingue tres habilidades musicales principales que constituyen el núcleo de la musicalidad: sentimiento modal, representaciones musicales y auditivas, y sentido del ritmo.
SOBRE EL. Vetlugina nombra dos habilidades musicales principales: la audición del tono y el sentido del ritmo. Este enfoque enfatiza la conexión inseparable entre los componentes emocionales (sensación modal) y auditivos (representaciones musicales-auditivas) de la audición musical. La combinación de dos habilidades (dos componentes del oído musical) en una sola (tono) indica la necesidad del desarrollo del oído musical en la relación de sus fundamentos emocionales y auditivos.
El concepto de "musicalidad" no se limita a las tres (dos) habilidades musicales básicas nombradas. Además de ellos, la interpretación, las habilidades creativas, etc., pueden incluirse en la estructura de la musicalidad,
La originalidad individual de las inclinaciones naturales de cada niño, originalidad cualitativa el desarrollo de las habilidades musicales debe ser tomado en cuenta en el proceso pedagógico.
La asimilación de conocimientos, habilidades y destrezas en la educación musical se lleva a cabo sobre material de arte. La percepción de las obras musicales en todo tipo de actividad es siempre peculiar y desgasta naturaleza creativa. La actividad de aprendizaje creativo debe impregnar todo el proceso de asimilación de conocimientos, desarrollo de habilidades y destrezas, y por lo tanto no debe destacarse como un elemento independiente del aprendizaje.
En relación con lo anterior, los elementos del contenido entrenamiento musical son: - la experiencia de la actitud emocional y moral de una persona hacia la realidad, encarnada en la música (es decir, la música misma, " material musical»); - conocimientos musicales; - habilidades musicales; - habilidades musicales.
Criteria de selección material musical - el componente principal del contenido de la educación musical, son:
Arte;
Entusiasmo y accesibilidad para los niños;
conveniencia pedagógica;
valor educativo(posibilidad de formar ideales morales y gustos estéticos de los estudiantes.
conocimiento musical. El conocimiento de dos niveles sirve como base para comprender el arte musical: 1) conocimiento que contribuye a la formación de una visión holística del arte musical; 2) conocimientos que ayudan a la percepción de obras musicales específicas.
El primer nivel de conocimiento caracteriza la naturaleza del arte musical como fenómeno social, su función y papel en la vida pública, normas estéticas.
El segundo nivel es el conocimiento sobre las características esenciales del lenguaje musical, los patrones de construcción y desarrollo de la música, sobre los medios de expresión musical.
Estas disposiciones de la ciencia musical determinaron el enfoque de la elección del conocimiento sobre la música. De acuerdo con ellos, D.B. Kabalevsky destacó el conocimiento generalizado ("clave") en el contenido de la educación musical. Este es un conocimiento que refleja los fenómenos más generales del arte musical. Caracterizan las conexiones típicas y estables entre la música y la vida, se correlacionan con patrones desarrollo musical niños. El conocimiento clave es necesario para comprender el arte de la música y sus obras individuales.
En el contenido de la educación musical escolar, el segundo grupo de conocimientos se correlaciona con el conocimiento que comúnmente se denomina “privado” (D.B. Kabalevsky). Están subordinados a la clave. Esta categoría incluye el conocimiento sobre elementos específicos individuales del habla musical (tono, metrorritmo, tempo, dinámica, modo, timbre, agógicos, etc.), información biográfica sobre compositores, intérpretes, sobre la historia de la creación de una obra, conocimientos de notación musical, etc.
Habilidades Musicales. La percepción de la música es la base de la formación. cultura musical Niños de escuela. Su lado esencial es la conciencia. La percepción está estrechamente relacionada con el conocimiento e incluye la apreciación artística. La capacidad de dar una valoración estética de una obra puede servir como uno de los indicadores de la cultura musical de un estudiante. La percepción es la base de todo tipo de interpretación, ya que es imposible sin una actitud emocional, consciente hacia la música, sin su evaluación.
Así, la capacidad de los estudiantes de aplicar los conocimientos en la práctica, en el proceso de percibir la música, se manifiesta en la formación de habilidades musicales.
El conocimiento "clave" se utiliza en todo tipo de música. Actividades de aprendizaje los escolares, por lo tanto, las habilidades formadas sobre su base se consideran principales.
Junto a las principales habilidades musicales, se distinguen las privadas, que también se forman en formas específicas de actividad.
Entre las habilidades "privadas" se pueden distinguir tres grupos:
Habilidades relacionadas con el conocimiento de los elementos individuales del habla musical (tono, ritmo, timbre, etc.);
Habilidades relacionadas con la aplicación de conocimientos musicales sobre compositores, intérpretes, instrumentos musicales, etc.;
Habilidades asociadas al conocimiento de la notación musical.
Así, las habilidades de liderazgo y particulares se correlacionan con conocimientos clave y particulares, así como con diversas formas actividades de aprendizaje musical.
habilidades musicales están en relación directa con la actividad musical educativa de los escolares y actúan en determinados métodos de interpretación musical. Las habilidades interpretativas también se forman sobre la base de la percepción musical. Sin su adquisición, es imposible hablar de la completa asimilación del contenido de la formación.
Asunto 6:
El concepto de educación musical y el programa sobre música de D.B. Kabalevsky: pasado y presente
Para los años 70 del siglo XX, la pedagogía doméstica había acumulado mucha experiencia en el campo de la educación musical de los escolares. Al mismo tiempo, existe la necesidad de crear un concepto unificado que lo generalice, dando direcciones claras para la formación de la cultura musical de los escolares.
El concepto, según el diccionario, es un sistema de visiones sobre el fenómeno, el punto de vista principal desde el que se considera dicho fenómeno, la idea rectora, etc.
Para desarrollar tal concepto se le propuso a un grupo de jóvenes científicos liderados por compositor famoso y la figura pública Dmitry Borisovich Kabalevsky. El concepto y el programa fueron desarrollados en el laboratorio del Instituto de Investigación de las Escuelas del Ministerio de Educación de la RSFSR en el período de 1973 a 1979. Las ideas principales del concepto están plasmadas en el artículo que precede al programa de música "Principios y métodos básicos del programa de música para escuelas de educación general". El programa en sí se publicó en tiradas pequeñas con la nota "Experimental". Al mismo tiempo, se emitieron lectores de música para el apoyo musical del programa, así como fonolectores con grabaciones de todas las obras del programa. Durante la prueba experimental del programa, el propio Kabalevsky impartió lecciones de música en una de las escuelas de Moscú. Estas lecciones fueron mostradas en la televisión. El libro para niños “Sobre tres ballenas y sobre muchas otras cosas”, escrito por D.B. Kabalevsky para niños.
Para uso masivo, un programa de música para los grados 1-3 (con lección desarrollos metodológicos) fue lanzado en 1980 y para los grados 4-7 en 1982.
El programa de Kabalevsky todavía se usa ampliamente en nuestro país. Es el punto de partida para el desarrollo de nuevos programas musicales. Sin embargo, en últimos años este programa convirtiéndose cada vez más en objeto de críticas. Al mismo tiempo, también tiene muchos seguidores. Parece que no es razonable considerarlo obsoleto e inservible.
Este concepto es un gran logro de nuestra cultura. Absorbió la mejor experiencia de la pedagogía doméstica y también anticipó una serie de procesos cualitativamente nuevos que están surgiendo tanto en la historia del arte como en todos los aspectos de la vida pública. A saber, el deseo de preservar y fomentar la cultura espiritual, el reconocimiento de la prioridad de los valores humanos universales. Este concepto tiene un gran potencial de desarrollo. Manteniendo la esencia, este desarrollo tiene las siguientes direcciones:
Desarrollo de didáctica artística y teoría de la pedagogía del arte;
Sustanciación del material musical del programa;
Ampliación del material musical del programa;
Ampliación del papel de la improvisación, la creación de música vocal e instrumental;
Enriqueciendo la lección con folclore, música sacra, muestras de folclore moderno. creatividad musical etc.
Una de las tareas más importantes de un maestro que trabaja según el programa de D.B. Kabalevsky - para desarrollar las ideas humanistas del concepto. En su línea, el contenido del proceso educativo es el diálogo espiritual de las diferentes culturas. El contenido es el proceso de educar a los niños en una actitud moral y estética frente a la realidad, por el arte mismo, actividad artistica el niño como su "vida" en el arte, la creación de sí mismo como persona, una mirada en sí mismo.
Así, entendiendo el contenido del concepto como el proceso de formación de la espiritualidad del niño a través de la música, a través de la experiencia, el sentimiento y la impresión, se puede argumentar que no hay nada que actualizar en el programa.
Si hablamos de actualizar el contenido del programa como actualizar el material musical, las formas de comunicarse con la música, etc., entonces este proceso se inserta en el concepto como permanente, necesario y natural.
Se centra en el hecho de que el material musical puede ser reemplazado, en el hecho de que la implementación del programa requiere un enfoque creativo del maestro en la elección de métodos, formas de hacer música práctica.
En 1994 Se lanzó una nueva versión del programa, realizada por Bader y Sergeeva. Los principales objetivos de la reimpresión son eliminar el contenido ideológico del contenido, para permitir que el maestro muestre iniciativa creativa en la planificación de lecciones. Así, en esta edición, el material musical ha sufrido un cambio y se han eliminado los desarrollos metodológicos de las lecciones.
2. El propósito, objetivos, principios y métodos fundamentales del programa de música,
desarrollado bajo la dirección de D.B. Kabalevski
Propósito de las lecciones de música. en una escuela de educación general: la formación de la cultura musical de los escolares como parte necesaria de su cultura espiritual general.
Tareas principales: 1) la formación de una actitud emocional hacia la música basada en su percepción; 2) formación actitud consciente a la música; 3) la formación de una actitud activo-práctica hacia la música en el proceso de su interpretación, principalmente el canto coral, como la forma más accesible de hacer música.
Principios básicos del programa.:
El estudio de la música como arte vivo, apoyándose en las leyes de la música misma;
Vínculos entre la música y la vida;
Interés y pasión por la educación musical;
Unidad de emocional y consciente;
Unidad de artístico y técnico;
Estructura temática del programa de música.
De acuerdo con el último principio, cada trimestre tiene su propio tema. Gradualmente haciéndose más complejo y profundo, se revela de lección en lección. Entre cuartos y etapas (clases) hay una sucesión. Todos los temas secundarios están subordinados a los principales y se estudian en relación con ellos. El tema de cada trimestre corresponde a un conocimiento "clave".
Métodos fundamentales del programa.. Los métodos principales del programa en su totalidad están dirigidos principalmente a lograr el objetivo y organizar la asimilación del contenido. Contribuyen al establecimiento de la integridad del proceso de educación musical en una lección de música como una lección de arte, es decir, cumplen funciones normativas, cognitivas y comunicativas. Estos métodos interactúan con todos los demás métodos.
Método de generalización musical. Cada tema es de carácter general y une todas las formas y tipos de clases. Dado que el tema es de naturaleza general, es posible asimilarlo solo por el método de generalización. El dominio de los conocimientos generalizados por parte de los alumnos se basa en la percepción musical. Este método tiene como objetivo principal desarrollar en los niños una actitud consciente hacia la música, en la formación del pensamiento musical.
El método de generalización musical aparece en forma de formas acumulativas de organizar las actividades de los estudiantes, destinadas a dominar conocimientos clave sobre la música, la formación de habilidades de liderazgo.
El método incluye una serie de acciones secuenciales:
1ra acción. La tarea es activar ese musical y experiencia de vida escolares, lo cual es necesario para la introducción del tema o su profundización. La duración de la etapa preparatoria está predeterminada por la naturaleza del conocimiento generalizado. La duración de la formación también depende del nivel de experiencia musical de los alumnos. Lo principal es no permitir que el estudio del tema se lleve a cabo formalmente, sin contar con la experiencia auditiva suficiente para ello.
2ª acción. El objetivo es introducir nuevos conocimientos. De primordial importancia son las técnicas de naturaleza productiva: una variedad de opciones para organizar una situación de búsqueda. En el proceso de búsqueda se destacan tres puntos: 1) una tarea claramente formulada por el docente; 2) gradualmente, junto con los estudiantes, resolviendo el problema con la ayuda de preguntas capciosas, organizando una u otra acción; 3) la conclusión final, que los propios estudiantes deben hacer y pronunciar.
La tercera acción está relacionada con la consolidación del conocimiento en varios tipos de actividades educativas, con la formación de la capacidad de navegar de forma independiente en la música sobre la base del conocimiento adquirido. La implementación de esta acción implica el uso de una combinación varios trucos productivo y reproductivo.
El método de "correr" hacia adelante y "volver" al pasado. El contenido del programa es un sistema de temas interrelacionados. Es importante que la lección en la mente del profesor y de los alumnos actúe como vínculo en el tema general y en todo el programa. El profesor necesita, por un lado, preparar constantemente el terreno para los próximos temas, por otro lado, volver constantemente al material cubierto para comprenderlo en un nuevo nivel.
Al implementar el método, la tarea del maestro es elegir las mejores opciones para "correr" y "regresar" para una clase en particular. Hay conexiones de tres niveles aquí.
1. Conexiones entre las etapas de aprendizaje 2. Conexiones entre los temas de los trimestres. 3. Conexiones entre piezas musicales específicas en el proceso de estudio de los temas del programa.
Método de dramaturgia emocional. Las lecciones se basan principalmente en dos principios emocionales: el contraste emocional y el enriquecimiento y desarrollo constante de uno u otro tono emocional de la lección.
En base a esto, la tarea es correlacionar uno u otro principio de construcción de una lección propuesta en el programa con condiciones específicas, el nivel de desarrollo musical y general de los estudiantes.
El método del drama emocional está dirigido principalmente a activar la actitud emocional de los escolares hacia la música. Contribuye a la creación de una atmósfera de entusiasmo, un gran interés en las lecciones de música. Este método permite, si es necesario, aclarar la secuencia de trabajos planificados para la lección (su comienzo, continuación, clímax, especialmente punto importante lección, al final) de acuerdo con las condiciones específicas de la lección.
Es importante determinar la mejor combinación de formas y tipos de actividad musical (clases) en las condiciones de una clase dada.
La personalidad del docente (su pasión por la materia, que se manifiesta en la ejecución de la música, en los juicios, la objetividad en la evaluación de los alumnos, etc.) es un poderoso estímulo para potenciar la actividad de los escolares en el aula.
