«Семья комедиантов» (La famille de saltimbanques) (1905). Семья комедиантов Розовый период Пабло Пикассо

Описание картины Пабло Пикассо «Семья комедиантов»

В почти разрушенном, старом общежитии Бато-Лавуар в Париже в 1904 году Пабло Пикассо находит своё новое место обитание около берегов реки Сены.

На полотнах возникает воздушный розовый “период”. Появляются новые пространства большего размера, неподвижность меняется на движение.

Художник увлёкся цирком, в который его привели его ближайшие приятели Сальмон и Аполлинер. Начинает активно придумывать и создавать новые эскизы из жизни цирка и театральных представлений. Картина “Семья комедиантов” 1905 года создавалась в «розовый» период. Написание произведения происходило на стыке двух направлений в творчестве.

Картину четыре раза переписывали. Изображенные 6 персонажей смотрятся сплоченно, но при этом как бы врозь, есть что-то общее в их лицах, выражениях глаз, фигурах.

Коллективная изолированность передаёт печальную грусть и настроение героев. Доминирующий цвет указывает на оптимистическое начало, а не на пессимистическое окончание. Манера письма, колорит оттенков дают почувствовать меланхолическое настроение.

При детальном анализе можно выделить женщину с бледноватым цветом лица, отдалённую от группы на переднем плане. Пятеро людей, стоящие на втором плане, не смотрят друг на друга, их глаза находятся в тени дерева. Потерянные, грустные комедианты уходят за зелёные холмы. Настроение персонажей передают опустошенность бытия и настрой непредвиденного ожидания.

Можно проследить за развитием каждого комедианта по эскизам. Сидящая женщина в шляпке, а маленькая девочка держит корзину цветов, стареющий муж в красных лосинах, Арлекино держащий руку девочки.

В данный момент картина находится в Вашингтоне в национальной художественной галерее.

Пабло Пикассо "Семья комедиантов" (1905).
Холст, масло. 212.8 x 229.6 см
Национальная художественная галерея, Вашингтон

Одним из центральных произведений «розового» периода является картина «Семья комедиантов» 1905 года, символизирующая перемещение Пикассо от одной фазы творчества к следующему. Значительные размеры полотна свидетельствуют о немалых инвестициях художника и это объясняет, почему он многократно использовал материал. Пикассо изменял ее 4 раза — добавлял персонажей, варьировал состав, внося некоторые дополнения, в том числе плечи женщины и ее шляпка, цвет балетных тапочек ребенка, появились как призрачные очертания только на финальной стадии работы.

Обычно Пикассо датировал свои работы, но редко их называл. «Семья комедиантов» первоначально являлась безымянной, а уже потом название было дано исходя из содержания. В этой работе Пикассо собрал воедино многочисленные этюды, изображавшие его цирковых друзей, и сгруппировал их всех вместе под голубым небом, использовав в качестве задника пустынный, бесконечный пейзаж. Шесть персонажей, которые на первый взгляд выглядят отчужденными и держатся порознь, на деле связаны между собой единством предназначения.

Художник изобразил не только образ жизни реальных комедиантов, но и очевидное печальное настроение героев, коллективную изолированность. Картина не отражает социального пессимизма, ее доминирующий цвет указывает на лирическую, личную печаль, а не пессимистическое отчаяние. Персонажи изображают совместную жизнь, хотя психологические отношения до конца не ясны. Цветовые эффекты сводятся к сдержанной, ненавязчивой гармонии, манера письма и колорит придают этой картине тихое меланхоличное очарование. Цветовая гамма картины остается в холодном стиле, только расплывчатые ноты теплой палитры размывают его. «Семья комедиантов» изображает бесправных, отрешенных людей, которые живут в центре общества.

Художник изображает группу артистов как бродяг с простым реквизитом в бессодержательном, подобном пустыне, призрачном пейзаже. Работа представляет собой мост между меланхолией «голубого» и «розового» периода. Предположительно «Семья комедиантов» является автобиографической работой Пикассо с представлением его дружеского окружения. При анализе живописи на переднем плане можно выделить сидящую бледную молодую женщину, отдаленную от остальной группы, взгляд ее устремлен вправо вдаль и, похоже, что она ищет уединения и отстранения. Можно предположить, что она немного не вписывается в общий колорит картины, возможно она не является членом цирковой группы.

На втором плане стоит пятеро, они не смотрят друг от друга, их глаза в тени. Те, кто должны быть счастливо живущей труппой, выглядят потерянными и грустными. Комедианты уходят, чтобы исчезнуть за грядою песчаных холмов, затеряться во вселенной. Артисты без зрителей: Пикассо заполнил печальными комедиантами большую часть холста, и пустое пространство вокруг них создает впечатление, что они находятся в бесконечных просторах пустыни. Тут и там, художник смешал цвет неба с землей. Облака сделаны в той же манере, в отличии от детальной прорисовки персонажей. Результатом является то, что небо и земля контрастируют с фигурами, и комедианты совершенно не вписываются в ландшафт, кажется, что они сейчас уплывут, если бы не тени, удерживающие их на земле. Окружающая пустота отражает настроения персонажей.

В раннем наброске «Семьи комедиантов» фоном служила сцена, разыгрывающаяся на ипподроме, причем один из наездников падал с лошади. В окончательном варианте все это было устранено, и в результате появилось ощущение разрозненности фигур, стоящих в отстраненных позах, явно дожидаясь какой-то команды. Неустойчивое равновесие композиции с пятью фигурами, сгруппированными в левой половине полотна, и одинокой фигурой девушки, сидящей в правом углу, создает дополнительный настрой и ожидание какого-то непредвиденного происшествия. Процесс развития и становления каждого из персонажей можно проследить по этюдам. Сидящая женщина прежде уже появлялась в качестве основной темы одной из картин Пикассо, где на ней надета остроконечная шляпа, окутанная вуалью.

Маленькая девочка возникла в первом эскизе без корзины цветов — вместо этого она ласкала собаку. Стареющий шут с изрядным брюшком, растягивающим его красное трико судя по всему отец-основатель труппы или же ее «звезда» — имеет обширную предысторию, воплотившуюся в целом ряде его предшественников. Но наиболее узнаваема тут высокая фигура Арлекина — на картине она крайняя слева. Этот привычный персонаж стоит, держа за руку маленькую девочку, и глядит в лицо старому шуту. В последний момент Пикассо наделил его собственным профилем, еще больше отождествляя себя со своими бродячими сотоварищами.

Есть предположения, что картина была написана в результате определенных событий, которые произошли между Пикассо и Фернандой Оливье. Нет полной уверенности в том, что следующий эпизод происходил в эти года, но все же. В 1904 году в Пикассо встретил модель Фернанду Оливье, которая вдохновила его на создание многих значительных работ этого периода. Эти несколько лет были счастливыми в их отношениях. Фернанда Оливье, которая сама не могла родить ребенка, пошла в один сиротский приют на улице Коленкур. Там она удочерила девочку восьми или десяти лет и привела в Бато-Лавуар. Какое-то время маленькую девочку закармливали сладостями, покупали ей кукол и игрушки.

Пикассо и все в Бато-Лавуар были добры к ней, особенно друг художника Макс Жакоб. Внезапно Фернанда устала от всего этого и решила, что не создана для материнства. Было принято решение вернуть ребенка обратно и этот жребий выпал Максу Жакобу. Когда он привел ее в приют, оказалось, что по существующему положению взятого из приюта ребенка обратно вернуть нельзя. Девочка расплакалась, стала умолять не бросать ее. В конце концов он устроил ребенка у консьержки. Возможно эта история является замаскированной сюжетной линией картины. Изучение контекста показывает нам, что работа изображает Пикассо, его друзей, Фернанду и ребенка: Пикассо в образе арлекина, красный клоун — Гийом Аполлинер, высокий акробат — Андре Салмон, молодой мальчик — Макс Жакоб, сама Фернанда и та девочка, стоящая спиной к зрителю. Хотя ни одна из фигур не является точным портретом. Эмоциональное напряжение и переживания за судьбу ребенка выражено у всех персонажей картины, читается в их глазах.

Пабло Пикассо - испанский живописец, основоположник кубизма, по опросу издания Тhe Times 2009 года самый известный художник XX столетия.

Родился будущий гений 25 октября 1881 года в Андалузии, в селенье Малага. Отец Хосе Руис занимался живописью. Своим творчеством Руис не прославился, поэтому вынужден был устроиться на работу в местный музей изобразительного искусства смотрителем. Мать Мария Пикассо Лопес принадлежала к зажиточному роду владельцев плантаций винограда, но с детства испытала на себе, что такое нужда, так как отец бросил семью и переехал в Америку.

Когда у Хосе и Марии появился первенец, его окрестили именем Пабло Диего Хосе Франсиско де Паула Хуан Непомусено Мария де лос Ремедиос Криспин Криспиньяно де ла Сантисима Тринидад Руис и Пикассо, в котором по традиции были указаны почитаемые предки и католические святые. После рождения Пабло в семье появилось еще две девочки - Долорес и Кончита, которых мать любила меньше обожаемого сына.

Мальчик был очень красив и талантлив. В 7 лет он уже начал помогать отцу в написании полотен. В 13 лет Хосе позволил сыну завершить объемную часть работы и был очень удивлен мастерством Пабло. После этого случая все свои художественные принадлежности отец отдал мальчику, а сам перестал писать.

Учеба

В этом же году юноша поступает в Академию художеств в город Барселону. Пабло не без труда удалось убедить преподавательский состав вуза в своей профессиональной состоятельности. Через три года учебы, набравшись опыта, юный студент переводится в Мадрид в престижную академию «Сан Фернандо», где на протяжении полугода изучает технику работы испанских художников , и . Здесь Пикассо создает картины «Первое причастие», «Автопортрет», «Портрет матери».

Юному живописцу не удалось в силу своенравного характера и вольного образа жизни удержаться в стенах учебного заведения, поэтому, бросив учебу, Пабло пускается в свободное плавание. Его близким другом к тому времени становится такой же строптивый американский студент Карлес Касагемас, с которым Пабло неоднократно посещает Париж.

Первые поездки друзья посвящали изучению живописи Делакруа, Тулуз Лотрека, а также древних финикийских, египетских фресок, японских гравюр. Молодые люди завели знакомство не только с представителями богемы, но и с богатыми коллекционерами.

Творчество

Впервые Пабло начинает подписывать собственные картины псевдонимом Пикассо, девичьей фамилией своей матери. В 1901 году случается трагедия, которая наложила отпечаток на творчество художника: его друг Карлес заканчивает свою жизнь самоубийством из-за несчастной любви. В память об этом событии Пабло создает ряд картин, которые принято относить к первому «Голубому периоду».

Обилие синих и серых цветов на картинах объясняется не только подавленным состоянием юноши, но и отсутствием денежных средств на масляную краску других оттенков. Пикассо пишет работы «Портрет Хайме Сабартеса», «Свидание», «Трагедия», «Старый еврей с мальчиком». Все картины пронизаны ощущением тревоги, уныния, страха и тоски. Техника письма становится угловатой, рваной, перспектива заменяется жесткими контурами плоских фигур.

В 1904 году, несмотря на отсутствие финансов, Пабло Пикассо решается на переезд в столицу Франции, где его ждут новые впечатления и события. Перемена места жительства дала толчок второму периоду творчества художника, который принято называть «Розовым». Во многом на жизнерадостность картин и их сюжетный ряд повлияло место, где жил Пабло Пикассо.

В основании Монмартрского холма стоял цирк Медрано, артисты которого и служили натурой для произведений молодого художника. За два года была написана целая серия картин «Актер», «Сидящая обнаженная», «Женщина в рубашке», «Акробаты. Мать и сын», «Семейство комедиантов». В 1905 году появилось самое значительное полотно этого периода «Девочка на шаре». Через 8 лет картину приобрел российский меценат И. А. Морозов, который и привез ее в Россию. В 1948 году «Девочка на шаре» была выставлена в музее им. , где и находится до сих пор.

Художник постепенно отходит от изображения натуры как таковой, в его творчестве появляются модернистские мотивы с использованием чистых геометрических форм, из которых составляется структура изображаемого объекта. Пикассо интуитивно подошел к новому направлению, когда создавал портрет своей поклонницы и меценатки Гертруды Стайн.

В 28 лет Пикассо пишет картину «Авиньонские девицы», которая и стала предшественницей произведений, написанных в стиле кубизма. Портретный ансамбль, на котором были изображены обнаженные красавицы, был встречен большим потоком критики, но Пабло Пикассо продолжил развитие найденного направления.

Начиная с 1908 года появляются полотна «Бидон и миски», «Три женщины», «Женщина с веером», «Портрет Амбруаза Воллара», «Завод в Хорта де Сан Хуан», «Портрет Фернанды Оливье», «Портрет Канвейлера», «Натюрморт с плетеным стулом», «Бутылка перно», «Скрипка и гитара». Новые работы характеризуются постепенным усилением плакатности изображений, приближением к абстракционизму. Наконец, Пабло Пикассо, несмотря на скандальность, начинает хорошо зарабатывать: картины, написанные в новом стиле, приносят прибыль.

В 1917 году Пабло Пикассо предоставилась возможность сотрудничества с «Русскими сезонами» . Жан Кокто предложил мэтру балета кандидатуру испанского художника в качестве создателя эскизов к декорациям и костюмам новых постановок. Для работы на время Пикассо перебрался в Рим, где познакомился с первой супругой Ольгой Хохловой, русской танцовщицей, дочерью эмигрировавшего офицера.

Светлый период жизни отразился и на творчестве художника - на время Пикассо отходит от кубизма, и создает ряд полотен в духе классического реализма. Это прежде всего «Портрет Ольги в кресле», «Купальщицы», «Женщины, бегущие по пляжу», «Детский портрет Поля Пикассо».

Сюрреализм

Пресытившись жизнью состоятельного буржуа, Пабло Пикассо возвращается к прежнему богемному существованию. Переломный момент ознаменовался написанием в 1925 году первой картины в сюрреалистической манере «Танец». Искаженные фигуры танцующих, общее ощущение болезненности надолго поселились в творчестве художника.

Неудовлетворенность личной жизнью отразилась в женоненавистнических картинах Пикасо «Зеркало», «Девушка перед зеркалом». В 30-е годы Пабло увлекся созданием скульптур. Появляются работы «Лежащая женщина», «Мужчина с букетом». Одним из экспериментов художника становится создание иллюстраций в виде гравюр к произведениям Овидия и Аристофана.

Военный период

В годы испанской революции и войны Пабло Пикассо находится в Париже. Художник в 1937 году создает полотно «Герника» в черно-белых тонах по заказу правительства Испании для Всемирной выставки в Париже. Небольшой городок на севере Испании был полностью стерт с лица земли весной 1937 года немецкой авиацией. Народная трагедия нашла отражение в собирательных образах погибшего воина, скорбящей матери, разрубленных на части людей. Символом войны у Пикассо становится изображение быка Минотавра с большими безразличными глазами. С 1992 года полотно хранится в музее Мадрида.

В конце 30-х годов появляются картины «Ночная рыбалка на Антибах», «Плачущая женщина». Во время войны Пикассо не эмигрировал из оккупированного немцами Парижа. Даже в стесненных бытовых условиях художник продолжал работать. В его картинах «Натюрморт с бычьим черепом», «Утренняя серенада», «Бойня» и скульптуре «Человек с ягненком» появляются темы смерти и войны.

Послевоенное время

Радость жизни вновь поселяется в картинах мастера, созданных в послевоенный период. Красочность палитры и светлые образы нашли свое воплощение в цикле жизнеутверждающих панно, которые Пикассо создавал для частной коллекции в содружестве с художниками Паломой и Клодом Уже.

Излюбленной тематикой этого периода для Пикассо становится древнегреческая мифология. Она находит воплощение не только в живописных полотнах мастера, но и в керамике, которой увлекся Пикассо. В 1949 году для Всемирного Конгресса сторонников мира художник пишет полотно «Голубь мира». Создает мастер и вариации в стиле кубизма на темы живописцев прошлого - Веласкеса, Гойи, .

Личная жизнь

С молодых лет Пикассо был постоянно в кого-то влюблен. В юности подругами и музами начинающего художника становились натурщицы и танцовщицы. Первую любовь молодой Пабло Пикассо испытал, учась в Барселоне. Девушку звали Росита дель Оро, она работала в кабаре. В Мадриде художник познакомился с Фернандо, которая на несколько лет стала его верной подругой. В Париже судьба свела молодого человека с миниатюрной Марсель Умбер, которую все называли Евой, но скоропостижная смерть девушки разлучила влюбленных.

Работая в Риме с русской балетной труппой, Пабло Пикассо женится на Ольге Хохловой. Молодожены обвенчались в русском храме на окраине Парижа, а затем переехали в особняк на берегу моря. Приданое девушки, а также доходы от продажи работ Пикассо позволяли семье вести жизнь зажиточных буржуа. Через три года после свадьбы у Ольги и Пабло рождается первенец, сын Пауло.

Вскоре Пикассо пресыщается хорошей жизнью и вновь становится свободным художником. Он поселяется отдельно от жены и начинает встречаться с молодой девушкой Мари-Терез Вальтер. От внебрачного союза в 1935 году на свет появляется дочь Майя, которую Пикассо так и не признал.

Во время войны очередной музой мастера становится югославская подданная, фотограф Дора Маар, которая своим творчеством подтолкнула художника на поиски новых форм и содержания. Дора осталась в истории как владелица большой коллекции картин Пикассо, которые она сохранила до конца своей жизни. Известны также ее фото полотна «Герника», на которых поэтапно изображен весь путь создания картины.

После войны художник знакомится с Франсуазой Жило, которая внесла в его творчество ноту радости. На свет появляются дети - сын Клод и дочь Палома. Но в начале 60-х годов Жаклин уходит от мастера из-за его постоянных измен. Последней музой и второй официальной женой 80-летнего художника становится обычная продавщица Жаклин Рок, которая боготворила Пабло и оказывала большое влияние на его круг общения. После смерти Пикассо, спустя 13 лет, Жаклин не выдержала разлуки и покончила жизнь самоубийством.

Смерть

В 60-е годы Пикассо полностью отдает всего себя созданию женских портретов. В качестве натурщицы художнику позирует его последняя жена Жаклин Рок. К концу жизни Пабло Пикассо обладал уже мультимиллионным состоянием и несколькими личными замками.

Памятник Пабло Пикассо

За три года до смерти гения в Барселоне был открыт музей его имени, а через 12 лет после его смерти - музей в Париже. За свою долгую творческую биографию Пикассо создал 80 тысяч полотен, более 1000 скульптур, коллажи, рисунки, эстампы.

Картины

• «Первое причастие», 1895-1896 гг.
• «Девочка на шаре», 1905 г.
• «Сидящий на красной скамье Арлекин», 1905 г.
• «Девушка в сорочке», 1905 г.
• «Семейство комедиантов», 1905 г.
• «Портрет Гертруды Стайн», 1906 г.
• «Авиньонские девицы», 1907 г.
• «Молодая дама», 1909 г.
• «Мать и ребенок», 1922 г.
• «Герника», 1937 г.
• «Плачущая женщина», 1937 г.
• «Франсуаза, Клод и Палома», 1951 г.
• «Мужчина и женщина с букетом», 1970 г.
• «Объятия», 1970 г.
• «Двое», 1973 г

Тонкий стан эквилибристки — очевидный контраст с массивной фигурой силача на переднем плане — венчают руки, устремленные к небу. Так героиня пытается обрести равновесие на неустойчивом шаре. Сам образ не уникален: розовый период Пикассо (около 1904-1906 годов) часто еще называют цирковым; цирковые артисты, в том числе акробаты и эквилибристы, населяют множество его работ того времени. Тем не менее в «Девочке на шаре» художнику удалось нащупать интересное композиционное решение: жест главной героини как бы связывает ее фигуру с небосклоном — нетрудно заметить, что и цвет ее трико ближе всего к голубоватому оттенку неба.

Пабло Пикассо. Семейство комедиантов. 1905 год National Gallery of Art, Washington

Пабло Пикассо. Актер. 1904–1905 годы Wikimedia Commons

Пабло Пикассо. Акробат и молодой арлекин. 1905 год Wikimedia Commons

В отличие от тонкой, бестелесной фигуры девочки, монументальная спина атлета, занимающая добрую половину переднего плана картины, решена в охристо-розовых, «чахоточных», по выражению Аполлинера, тонах, которые эхом отзываются в землистых холмах фонового пейзажа. Таким образом, центральное для «Девочки на шаре» противопоставление акцентируется сразу на множестве уровней: не только «женское — мужское», не только «молодость — зрелость», не только «хрупкость — устойчивость», но и «небо — земля», «дух — материя».

По мнению некоторых исследователей, образ девочки на шаре восходит к ренессансной иконографии богини судьбы, — тогда как устойчивый куб, на котором сидит атлет, ассоциируется с понятием Доблести. Латинская поговорка гласит: «Sedes Fortunae rotunda, sedes Virtutis quadrata» (дословно «Сиденье Фортуны круглое, сиденье Доблести квадратное»). Неизвестно, подразумевал ли Пикассо подобное толкование образов на картине, но это кажется вполне возможным, учитывая его любовь к художественным аллегориям, а также то обстоятельство, что к 1905 году он уже несколько лет вращался в парижских интеллектуальных кругах и ходил на лекции поэта Мореаса, провозглашавшего возвращение к идеалам греко-латинской литературы.

Гвидо Рени. Фортуна и Амур. Около 1636 года

Wikimedia Commons

Несмотря на то что атлет показан художником со спины и мы видим лишь одну его ногу, если присмотреться, можно различить на картине вторую ступню и правое колено: сначала поза силача была несколько иной, но затем Пикассо изменил композицию. По одной из гипотез, это было связано с тем, что живописца волновала тема поддержки — как в моральном смысле (циркачи, как, собственно, и художники-авангардисты, считались в обществе изгоями и могли уповать лишь друг на друга), так и в материально-физическом. В финальном варианте «Девочки на шаре» получается, что эквилибристка отчасти опирается на атлета: если мысленно убрать его фигуру из картины, хрупкое равновесие будет разрушено и девочка упадет. По-видимому, вторая нога ослабляла этот эффект, и потому от нее было решено отказаться. Мотив поддержки ярко воплощен и в других произведениях Пикассо, например в « ». С другой стороны, с человеческими конечностями в своих работах он порой обращался достаточно вольно: на более позднем «Портрете Поля в костюме Арлекина » у сына художника, похоже, вырастает лишняя нога.

Пабло Пикассо. Старый еврей с мальчиком. 1903 год

ГМИИ им. А. С. Пушкина

«Девочка на шаре» — редкий у Пикассо пример композиции с последовательно открывающимися перед зрителем пространственными планами: на первом — атлет; на втором — эквилибристка; на третьем — фигура матери с детьми и собачкой; наконец, на последнем, четвертом, — пасущаяся в пейзаже белая лошадь. Лошадь — сквозной образ на картинах художника этого периода: она появляется также в «Мальчике, ведущем лошадь » и на большом количестве эскизов — например, это «Арлекин на лошади» и « ».

Семья комедиантов. Эскиз к картине «Les Bateleurs». 1905 год

ГМИИ им. А. С. Пушкина

Цирковые артисты у Пикассо никогда не показаны на рабочем месте — сцены с их участием переносятся в пространство некоего условного пустынного ландшафта. Именно это происходит и с «Девочкой на шаре»: пейзаж за спинами главных героев решен в виде последовательности горизонтальных планов разного цвета — на этом фоне вертикальная динамика атлета и эквилибристки воспринимается особенно ярко. Человеческие фигуры на заднем плане — типичный стаффаж Стаффаж — фигуры людей и животных, изображаемые в произведениях пейзажной живописи для оживления вида и имеющие второстепенное значение.  : живописцы XVI-XVII веков взяли за правило изображать их на своих полотнах для . Характерно, что эти фигуры развернуты спиной к основной сцене картины и явно удаляются прочь, равнодушные к трюкам, которые репетируют силач и эквилибристка. По одной из версий, это высказывание художника на тему невостребованности их искусства, которое он в значительной степени уподоблял своему.

Клод Лоррен. Пасторальный пейзаж. 1646-1647 годы

На перекрёстке двух периодов - " голубого и розового" - "Девочка на шаре" Пабло Пикассо.

Девочка на шаре

«Семейство комедиантов» принадлежит к так называемому розовому периоду творчества Пикассо, пришедшему на смену печальному «голубому периоду». Художник заинтересовался образами из мира театра и цирка, в его палитре появились розово-золотистые, красноватые и розово-серые тона, а персонажами картин стали бродячие артисты - клоуны, танцовщицы, жонглеры и акробаты из цирка Медрано, где живописец часто бывал и рисовал своих друзей.

Фигуры комедиантов автор поместил в пустынный, лишенный растительности пейзаж на фоне синего неба, покрытого облаками. Слева - похожий на самого Пикассо Арлекин , который держит за руку девочку, рядом с ними - директор труппы - толстяк, облаченный в красное трико и в колпаке шута, справа - два юных акробата. Вся композиция уравновешивается одинокой фигурой сидящей девушки на первом плане. Персонажи статичны, между ними нет никакой внутренней близости. И хотя они вместе, но каждого сковывает холод внутреннего одиночества. Циркачи застыли, будто в ожидании какой-то команды или приказания двигаться дальше. Большинство произведений Пикассо «розового периода» проникнуто духом трагического одиночества и обездоленности.

«Семейство комедиантов» принадлежит к так называемому розовому периоду творчества Пикассо, пришедшему на смену печальному «голубому периоду». Художник заинтересовался образами из мира театра и цирка, в его палитре появились розово-золотистые, красноватые и розово-серые тона, а персонажами картин стали бродячие артисты - клоуны, танцовщицы, жонглеры и акробаты из цирка Медрано, где живописец часто бывал и рисовал своих друзей. Фигуры комедиантов автор поместил в пустынный, лишенный растительности пейзаж на фоне синего неба, покрытого облаками. Слева - похожий на самого Пикассо Арлекин, который держит за руку девочку, рядом с ними - директор труппы - толстяк, облаченный в красное трико и в колпаке шута, справа - два юных акробата. Вся композиция уравновешивается одинокой фигурой сидящей девушки на первом плане. Персонажи статичны, между ними нет никакой внутренней близости. И хотя они вместе, но каждого сковывает холод внутреннего одиночества. Циркачи застыли, будто в ожидании какой-то команды или приказания двигаться дальше.

Розовый период Пабло Пикассо

Для работ «розового периода » массу материала давал цирк Медрано, располагавшийся у подножия Монмартрского холма. Путешествие же в Испанию в 1906 году дало новый толчок поискам художника и послужило окончанием "розового периода".

Акробаты (Мать и сын)

Мальчик, ведущий лошадь

Акробат и молодой Арлекин

Семья акробатов

Большинство произведений Пикассо «розового периода» проникнуто духом трагического одиночества и обездоленности.

С 1904 года Пикассо поселился на Монмартре, где работал над картиной «Семья акробата с обезьяной». В 1907 году он познакомился с художником Жоржем Браком. Вскоре они вместе ушли от натурализма, изобретя новую форму живописи - кубизм. Угловатые объемы, геометрические фигуры, фрагменты натюрмортов и лиц, в которых с трудом угадывается что- то человеческое, заполняют его полотна.

В 1904 году Пикассо поселяется в Париже, где находит пристанище в знаменитом монмартрском общежитии для бедных художников Бато-Лавуар: начинается так называемый «розовый период», в котором печаль и нищета «голубого периода» сменилась образами из более живого мира театра и цирка. Художник отдавал предпочтение розово-золотистому и розово-серому тонам, а персонажами стали в основном бродячие артисты — клоуны, танцовщики и акробаты; картины этого периода проникнуты духом трагического одиночества обездоленных, романтической жизни странствующих комедиантов («Семья акробата с обезьяной», 1905).

Семья акробата

Пикассо стал основоположником кубизма, изображая человека как ряд совмещенных плоскостей. Этим достигал, как говорили, уродливой схожести. И этим восхищал. Он говорил, что изображает мир не таким, каким его видит, а каким представляет.

Автопортрет Пикассо

Пикассо в 15 лет

Автопортрет - Пабло Пикассо. 35 лет.

Пабло Пикассо (1881-1973) написал довольно много собственных изображений и, что интересно, в разных художественных стилях. Представленный автопортрет был создан в так называемый африканский период. К этому времени творческая манера мастера претерпела значительные изменения, став весьма неожиданной и новаторской для своего времени. В 1905 под впечатлением живописи Сезанна он стремился придать формам больше простоты, материальной весомости и значительности. Эти тенденции усилились во время поездки летом 1906 в Андорру, где Пикассо впервые обратился к примитивизму, чувственному и формальному. К 1907 уже были созданы самые известные и новаторские работы этого периода творчества - «Обнаженные» и «Авиньонские девицы» (обе сейчас находятся в Музее современного искусства в Нью-Йорке). Образ, который создал живописец, очень необычен. Он безжалостно превратил формы своего лица в геометрические блоки, намеренно утрируя и огрубляя облик. Работая жесткой линией, Пикассо лишает картину светотени, броский и абстрактный темно-красный фон усиливает плоскостность и экспрессивность автопортрета. Печальный, серьезный и встревоженно-напряженный человек смотрит с картины, кажется, что какая-то затаенная боль превращает его лицо в маску, за которой он пытается спрятать свою глубоко ранимую душу. «Кто грустен, тот искренен», - считал художник.

Пабло Пикассо - великий живописец, который написал множество картин. Лучшие полотна художник творил уже после своих 70. Написал он довольно много изображений и, что самое интересно в этом, больше количество их были в разных стилях рисования. В африканский период Пикассо представил автопортрет, создан 30 июня 1972 года, и этим произведением искусства завершает серию автопортретов. Особенность рисунка в том, что он выполнен цветными карандашами. Все портреты художника имели глубокий смысл, как и этот, что был создан 9 месяцев до его смерти. Все они были связаны со случаями из жизни творца и отображали его состояние, настроение, размышления и т.д. Пабло делал свое лицо «лабораторией» для формальных экспериментирований. Эту работу Пикассо именуют, как «Лицо смерти». Ведь автор создал очень необычный образ, над которым работал 3 месяца. Без жалости художник превратил свое лицо в тяжелые геометрические блоки, что сильно грубит облик творца.

1905 год

Техника: Холст, масло

Размеры: 213x230 см

Еще работы года

колодезный насос Обычная цена: 20 930,00 руб. Погружной скважинный насос модели ASP1C-70-90 предназначен для подачи чистой воды из колодцев и сква. . . В корзину.

Комментарии

2014

Николай, НН
20 апреля
На мой взгляд эмоциональной темой картины является расстование. Арлекин с его костюмом - видимо Пикассо со своей манерой рисовать - обмотался красным шарфом и гордо смотрит на всех. Девочка понурила голову, но стоит в унисон с арлекином, ступни которого направляются влево. возможно что у девочки были белые крылья, но на картине они черные - мрачность её движущей силы. Девочка, как и девочка на шаре, скорее всего это муза Пикассо, его идея, его творчество и вдохновение. Несколько грубоватые три фигуры направлены в другую сторону и лишь толстый мужчина - видимо глава семейства- как бы прощаясь смотрит на арлекина, его фигура олицетворяет довольство и обеспеченность, а две фигуры юнушей полностью увлечены изящной дамой. Берусь предположить что эти двое - собратья Пикассо по искусству, которые творят лишь ради самого искусства, и поэтому-то их пути расходятся. Пикассо как бы со своей ещё не окрепшей музой уходит от искусства ради довольства и самого искусства. возможно что он оставляет и саму изящную даму - утонченность и эстетику искусства того времени и направляет свои ступни влево - в сторону социализма

2010

Валентина Борковская, Рязань
25 января
Отлично написаны портреты.

2009

Куки, Екатеринбург
29 октября
Боже... Такие шикарные картины... уже минут 20 рассматриваю их...